Ink & Paper Cult Club (VIII): Joan Llopis

Ink & Paper Cult Club (VIII): Joan Llopis «Una portada debe plasmar la atmósfera del grupo y transmitir la esencia, el sentimiento y el alma de su música»

Ink & Paper Cult Club (VIII): Joan Llopis

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Lo primordial para que intentemos contar con un artista en nuestro IAP, es que sus obras no sobrecojan y muevan algo dentro de nuestros cascarones de carne y hueso.

Pero, si además de eso, luego son tremendamente pro activos con nosotros, y son sinceros y elocuentes en nuestra entrevista, entonces la satisfacción es completa.

Con Joan Llopis Domenech ha ocurrido todo esto. Su obra responde a dos adjetivos que verás repetirse a lo largo de la entrevista: etéreo y mágico. Observar con atención sus ilustraciones nos transportará a esa dimensión habitada por todos los personajes que componen el imaginario fantástico del norte de Europa, y que a día de hoy casi son parte de un folclore reconocido en el mundo entero.

Y es que si uno se despista, puede acabar obnubilado, perdido entre los pequeños detalles que pueblan cada una de sus obras.

Y agradecerle desde lo más profundo todo lo amable y cooperativo que Joan se ha mostrado en la realización de esta entrevista.

Ahora damos el protagonismo a nuestro invitado. Estoy convencido de que en los meses venideros oirás mucho más hablar de él.

¡Disfrutad!


¿Cuando y cómo fue el momento en que sentiste que el mundo de la ilustración te apasionaba tanto, que querías hacer de él tu profesión?

De pequeño me fascinaba dibujar. Aunque mi historia es un poca extraña pues tuve una época demasiado larga de no crear absolutamente nada, ni tan siquiera apasionarme por el dibujo. Desde los 9 hasta los 18 años no volví a coger el lápiz por falta de motivación, bloqueo y porque por circunstancias personales mis estudios se encaminaron hacia la ciencia. Llegué incluso a empezar la carrera de veterinaria. Me estaba alejando mucho de mí mismo.

Fue allí donde tuve una revelación, echaba de menos la ilusión de crear de la infancia y algo en mí me decía que necesitaba explorar dentro del arte. No sabía dónde me llevaría el camino, no tenía ni idea de en que rama me especializaría pero mi meta era descubrirlo durante el proceso.

Fue un año muy crítico y complicado para mí emocionalmente, de romper barreras y dar el paso, hasta que al final tomé la importante decisión de dejar la carrera de veterinaria y empezar un nuevo camino en bellas artes. Tampoco lo considero tiempo perdido, son disciplinas que pueden estar conectadas. Por ejemplo, todo lo que aprendí de anatomía en los animales ahora lo aplico en mis dibujos.

En los primeros años en bellas artes todavía estaba bastante perdido y ni consideraba la ilustración. Fue en mi Erasmus en Tallin, estudiando mi último curso de bellas artes donde descubrí mi verdadera vocación. Fue algo progresivo pero vi que la ilustración era una de las formas que tenia de expresar mi mundo y en la que me sentía cómodo. Empecé a dirigirme más hacia la ilustración editorial, cuentos infantiles e incluso ilustración científica. Pero en el fondo no era algo que me llenara totalmente.

Fue a partir de mi primer encargo donde se despertó en mí otra faceta. Por coincidencias del destino trabajé para Forja, un grupo de folk metal catalán. Fue un punto de inflexión pues descubrí que era la forma perfecta de combinar mis dos pasiones: música y arte en una, portadas para grupos. Como amante de la música desde que tengo memoria creo que era solo cuestión de tiempo visualizar claro este camino.

«Es siempre satisfactorio el poder plasmar las ideas concretas que tiene el grupo, y ver que consigues representar lo que tenían en mente es muy gratificante como ilustrador»

¿Eres autodidacta o has recibido algún tipo de formación en alguna escuela de arte o de otro tipo?

En bellas artes es cierto que aprendí lo básico, dibujo del natural, figura humana, volumen, la técnica del óleo… etc

Las bases de un dibujo más académico me ayudaron en el futuro. Después por desgracia lo que imperaba allí era el arte abstracto y conceptual. Realmente todo lo que sé de ilustración lo aprendí por mi cuenta de forma autodidacta. Son innumerables horas de trabajo y de enfrentar el eterno miedo del dibujante: encontrar un estilo propio. Llegó de forma natural a partir de muchas horas de introspección y búsqueda, de práctica, de ver trabajos de otros artistas, tomar referencias, y sobretodo estar abierto a todos los estilos, aunque no sean tu predilecto, siempre te nutren y te aportan algo, te ayudan a crecer y conocer todo en propiedad.

También es insistir en mejorar tus carencias, en forzarte a salir de tu terreno, te hace un dibujante más completo. En mi caso todavía lucho por aprender perspectiva e intentar transmitir movimiento y dinamismo en el cuerpo humano porque creo que mis dibujos todavía pecan de ser estáticos.

Un punto de inflexión muy relevante en cuestión de técnica y que estaré eternamente agradecido fue un curso de acuarela por parte de Fran Parreño, un ilustrador muy reconocido en Valencia y al que admiro profundamente. Su técnica es realmente mágica, delicada y exquisita, me abrió todo un mundo de conceptos a entender y que fui asimilando a base de más práctica. Mi estilo actual con acuarela se lo debo gracias a él.

¿Cuales han sido las influencias más importantes a la hora de desarrollar tu estilo, tanto fuera como dentro del mundo de la ilustración?

De los clásicos sin duda tengo profunda admiración por Gustav Doré. También pasé muchas horas analizando su técnica, como trata las sombras, como recrea las atmósferas oscuras y místicas.

Más artistas clásicos como: Arthur Rackham, John Bauer, Edmund Dulac, Henry Justice Ford, Walter Crane, Heinrich Lefler, Reginald Knowles, Harry Clarke, Theodor Kittelsen, Errol Le Cian, Ivan Bilibin, Kay Nielsen…

También la estética del Art Nouveau y en general todo el movimiento Prerrafaelita, donde me inspira tanto la técnica como el concepto romántico y delicado que hay detrás. Se trata un ambiente medieval muy mágico y etéreo, lleno de simbolismo y misticismo, lo cual encuentro muy poético y acorde con el universo que me gusta transmitir con mi arte.

De artistas actuales destacaría: Fortifem, Sin-eater, Blial Cabal, Adrian Baxter, Rodrigo Almanegra, Chris Riddell, Alan Lee, Eliran Kantor, Heikala, Philip Harris, Joe McEvoy…

También me gustaría nombrar a ilustradores amigos míos que han tenido un papel fundamental, no solo en inspiración en cuanto a técnica o concepto, sino en cuanto a motivación y coraje para seguir en este camino. Admiro como luchan cada día para llegar lejos. La verdad es que se ha creado una comunidad muy bonita de ilustradores para grupos, y entre nosotros nos apoyamos y nos ayudamos en cualquier situación, compartiendo ideas y experiencias. Amigos que admiro y aprecio mucho: Niall Grant, Kasia Jasmina, Moonroot, Extinct Sacrif, Maéna, Adam Oehlers, Bluttanzt, Krisputter, Dead Flag Studios, Blood Coven, Simon Garðarsson, Hester Aspland, Lilastarith, Manuel Scapinello, Anaïs Mulgrew, Cold Poison, Skogens Rymd, Alva Set, Silvana Massa, Intenebriz, L’encre de Mizu…

De fuera del mundo de la ilustración y en cuanto a universos que me han marcado debo mencionar toda la obra de Tolkien y Lovecraft.

«Si estás hablando con alguien y mencionas un grupo, lo primero que visualizará será la portada o incluso el logo. Los diseñadores del logo en estos casos todavía están más infravalorados. Crean algo tan único y emblemático que pasa a la historia, y a pocos parece importarle»

¿Hay alguna técnica con la que te guste más trabajar?

En general tengo dos técnicas. Una es a color con acuarela. La otra seria en blanco y negro, con plumilla y tinta china (o estilógrafos a veces), intentando emular el estilo de los grabados antiguos.

La verdad es que donde me siento más cómodo y con confianza es en blanco y negro. Por eso mismo, me obligo a salir de mi «comfort zone» tratando cada vez más de trabajar el color, para aprender y conocer todos los secretos de la acuarela.

Trabajar las atmósferas es lo que más me cuesta, el lograr captar con un paleta específica de colores una sensación. Todavía noto mucha dificultad para controlar ciertos efectos aguados, crear matices y texturas más etéreas… por eso quiero centrarme en descubrirla.

Muchos artistas y profesores dicen que debemos experimentar con muchas técnicas. Yo opino que por satisfacción personal sí, podríamos, pero en cuestión de eficacia vale la pena centrar todas las energías y años en una sola. Ni en una vida nos da para conocer todos sus secretos. Además, un grupo te contactará si ve que tienes un estilo sólido y definido en que el que puedan confiar.

También tuve una época que quería pasarme completamente al dotwork con tinta. Descubrí que puedes hacer texturas muy delicadas pero noté que al final no valía la pena porque requería a veces más del doble del tiempo en terminar y no se adaptaba por completo a mi intuición y estilo natural.

Descríbenos un poco el proceso que sigues desde el momento en que te pones manos a la obra en el desarrollo de un diseño. ¿Tienes un método de trabajo definido o dependiendo de algunos factores lo abordas de diferentes formas?

Trabajando con grupos ellos me suelen dar una idea o concepto general de lo que visualizan para el álbum. También si todavía están en proceso de composición, me mandan las demos pre-producción y las letras, para que vaya captando el sentimiento y atmósfera general del álbum y pueda inspirarme.

Algunos grupos son más específicos y concretan todos los elementos que desean incluir en la portada. Otros me dan total libertad.

La verdad es que me gusta trabajar de ambas formas, no tengo predilección. Por una lado, en el primer caso es siempre satisfactorio el poder plasmar las ideas concretas que tiene el grupo, y ver que consigues representar lo que tenían en mente es muy gratificante como ilustrador.

Además el grupo puede darte nuevas ideas muy originales que quizás no se me habrían ocurrido o composiciones que, aunque puedan salirse de mi zona de confort, sirven como un reto personal y eso me ayuda a crecer como dibujante, exigiéndome a mí mismo abarcar y explorar terrenos con los que quizás con mis habilidades todavía no tengo confianza completa.

En el otro caso, a veces si te dan demasiada libertad, cuesta adivinar qué es lo que quieren exactamente y puede resultar más laborioso arriesgarse con una interpretación personal pues curiosamente estará más sujeta a posibles cambios de última hora por parte del grupo. En ambos casos, siempre mi objetivo es lograr captar la esencia y alma del álbum y que queden satisfechos con el resultado.

Suelo empezar con un boceto de la composición general, sin definir detalles, simplemente ubicando donde irá cada elemento. A partir de ahí hablo con el grupo qué elementos desean añadir, borrar o cambiar.

Una buena comunicación es vital, es muy importante tener feedback y un trato fluido, para que no se dé lugar a malentendidos y que sea más eficiente y rápido el proceso. Siempre hay clientes que piden demasiados cambios una y otra vez, pero es algo con lo que tenemos que tener paciencia y entender. También es un aspecto con el que tenemos que acostumbrarnos y lidiar si queremos dedicarnos a este ámbito.

Una vez aprueban el diseño a lápiz, me pongo a entintar o empezar con las acuarelas y siempre voy enviando fotos de proceso. Una vez terminada la ilustración, me encargo de hacer y enviar diferentes pruebas y opciones con el logo. También suelo elegir la fuente o tipografía para el título o tracklist de la contraportada.

«Ante tantísimos álbumes que se publican a diario, una portada que sea atractiva hará que el público sienta curiosidad por escuchar el álbum. Tanto en el ámbito digital como en una tienda de discos»

Según mi opinión, a día de hoy, el artwork de los álbumes ha alcanzado un mayor protagonismo y un mayor nivel del que nunca tuvo…¿estás de acuerdo con esta apreciación? ¿Por qué crees que esto se produjo?. Si no estás de acuerdo explícanos un poco por qué…

Es cierto que poco a poco la labor del ilustrador tiene más visibilidad y apreciación, pero en mi opinión todavía hay muchísimas cosas injustas que deben mejorar.

Creo que, en general, no tenemos el crédito que merecemos y el público no es consciente de todo el trabajo que hay detrás del artwork y no consideran al ilustrador. Muchísimas portadas emblemáticas a lo largo de la historia del rock, el ilustrador pasa desapercibido por completo. Para algunos fans es como si el artwork apareciera por arte de magia. Parece irreal, pero algunos incluso siguen pensando que es el propio grupo quien lo crea. Parece ridículo pero es así. Y portadas que han pasado ya a formar parte casi de la cultura popular, el mérito se lo lleva el grupo pero nadie conoce al ilustrador.

Por poner un ejemplo ( y dejando claro me gustan estos grupos y no tengo nada en contra) estoy casi seguro que el 99% de los fans de Iron Maiden no saben el ilustrador que ha hecho tal emblemáticas e icónicas portadas que han pasado a la historia. Los fans llevan sus camisetas y no saben quien lo creó. Y compran toda la cantidad de merchandising surreal que existe, tazas, cervezas con el dibujo, mochilas, relojes y cosas de lo más raras. Incluso gente que se tatúa el logo de un grupo o el artwork y ni contempla que hay alguien que creó eso. Pasa lo mismo con el famoso emblema de Motörhead. Nadie sabe el nombre del ilustrador. Pero lo peor es que tampoco se muestra curiosidad por investigar y descubrirlo.

Y ya no solo en ilustración, estoy seguro que muy pocos conocen al fotógrafo que hizo la legendaria portada de Abbey Road por ejemplo.

Simplemente eran unos ejemplos que me parecen representativos, pero así sucesivamente pasa en todos los grupos.

Entiendo por supuesto que la prioridad siempre va a ser la música. Pero me parece injusto que se idealice y mitifique tanto al grupo en sí, como casi semidioses, pero el apartado visual es algo que simplemente «está».

Y realmente, el artwork es un elemento clave. Si estás hablando con alguien y mencionas un grupo, lo primero que visualizará será la portada o incluso el logo. Los diseñadores del logo en estos casos todavía están más infravalorados. Crean algo tan único y emblemático que pasa a la historia, y a pocos parece importarle.

También veo actitudes en grupos que todavía hacen empeorar la situación, como publicar la portada de su nuevo álbum en redes sociales y ni mencionar al ilustrador. Tienes que ir aposta a preguntar. E incluso en sitios donde debería estar nuestro nombre en los créditos como en Bandcamp, todavía hay grupos que no lo escriben. Y no son casos esporádicos, por desgracia es algo bastante común, casi el 50% de los grupos lo hacen, incluso los más famosos. Me parece una falta de respeto lamentable. Ya no es solo por el mero hecho del crédito, si no por que debería estar ya de forma legal. Sino que además es algo que nos afecta y perjudica directamente como ilustradores, porque dependemos de la visibilidad para poder conseguir más encargos, es parte de nuestro trabajo.

También opino que no es justo el no poner el nombre del ilustrador en un álbum que se publica en Youtube. Pero se ha normalizado tanto que la gente no se lo cuestiona. Si se tiene que mencionar el nombre del fotógrafo en cualquier vídeo si utilizas sus imágenes por el copyright, no entiendo porqué no se menciona a un ilustrador que ha creado algo tan imprescindible.

Son cosas que, sin ánimo de ofender o parecer demasiado crítico, deberían tenerse en cuenta e ir puliendo.

¿Cuanto crees que aporta un buen diseño artístico, a la hora de que una banda llame la atención de un público sobrestimulado, en un marco como el actual, el el que hay tanta oferta musical en todos los estilos?

La portada siempre será clave. Con ella traduces de forma visual los sentimientos que transmitirá el álbum. Es muy importante que la portada conecte con los conceptos del álbum y exprese de forma fiel el imaginario y universo del grupo. También es imprescindible para captar la atención del público.

Ante tantísimos álbumes que se publican a diario, una portada que sea atractiva hará que el público sienta curiosidad por escuchar el álbum. Tanto en el ámbito digital como en una tienda de discos. Yo he descubierto muchos grupos simplemente porque la portada me ha llamado la atención en Youtube.

Hay grupos que todavía descuidan o se despreocupan bastante de este factor y puede ser decisivo porque como bien has dicho el público esta sobreestimulado. Es necesario crear algo único que lo haga diferente y si la portada no conecta con la música, el conjunto parecerá incompleto. Aunque la música sea perfecta y brillante, si la portada es cutre algo falla.

Siempre habrá excepciones por supuesto, y portadas de lo más minimalistas pueden triunfar. En mi opinión, muchos grupos de black metal siguen optando por unos elementos bastante trillados, un tipo de estética que ya tuvo su momento pero que ahora me parece repetitiva.

Por suerte todavía hay muchos grupos con mentalidad abierta que quieren innovar y crear algo más personal.

«La presión social en contra de los artistas siempre va a estar ahí. Los clichés y prejuicios existirán, diciendo que busquemos «un trabajo real» o no entendiendo porqué cobramos por nuestro arte o las horas que hay detrás»

Qué consejo le darías a cualquier persona que está empezando, pero que cree que no tiene el talento necesario o no tiene el apoyo suficiente en su entorno.

Sobretodo determinación y constancia. Para ser honestos, es un camino difícil y requerirá que dispongamos de las energías suficientes para superar obstáculos y conseguir nuestro sueño. Es un trabajo muy sacrificado que requiere muchas horas, y por ello debemos renunciar a muchas cosas. También la clave es no rendirse. Muchas decepciones y malas experiencias pueden suceder, pero debemos estar preparados para superarlas.

Respecto al talento, creo que siempre ha sido un concepto muy ambiguo que nos puede afectar negativamente y lo que lo define es la práctica. Dibujos míos de hace 5 años me pueden dar vergüenza, pero el perfeccionar y consolidar un estilo pide mucho tiempo dibujando. En mi caso, yo creo que no tengo especial talento para el dibujo, simplemente le he dedicado mucho tiempo e ilusión para progresar.

Tampoco me he sentido apoyado en mi entorno, pero he decidido que dependerá de mi solo y que nadie me apartará de este camino. La presión social en contra de los artistas siempre va a estar ahí. Los clichés y prejuicios existirán, diciendo que busquemos «un trabajo real» o no entendiendo porqué cobramos por nuestro arte o las horas que hay detrás.

Mi otro consejo, es importante dibujar cada día y además, el no tener miedo al mundo exterior. Me refiero a no infravalorar lo que haces. Si tu no lo aprecias, nadie lo hará. Hay que sentirse orgulloso de cada progreso por pequeño que sea e ir creciendo como artista.

Mi consejo es que una vez tengas un portafolio más o menos sólido, no esperes más. Empieza a contactar con grupos, enviar portafolio a todos los sitios que puedas. El secreto es no parar de moverse. Es así de triste y crudo pero los encargos muchas veces hay que buscarlos.

En mi experiencia personal, hace unos 2 años, envié en cuestión de 1 mes, mi portfolio a más de 100 grupos. La mayoría simplemente me ignoraron. Pero 20 me respondieron. Algunos simplemente el clásico «te tendremos en cuenta quizás en un futuro». Pero de ellos 5 estaban interesados en empezar a trabajar conmigo. Lo veo con perspectiva y sin duda, valió la pena. No podemos esperar a que nos pase algo, tenemos que perseguirlo aunque ello conlleve mucha energía y el sentirnos que vamos detrás arrastrándonos. Pero por desgracia la industria musical funciona así, tenemos que ser muy insistentes, sin caer en hacer spam por supuesto, pero no quedarnos esperando a que suceda un milagro.

Ahora mismo, me siento afortunado, pues ya no tengo que escribir más a grupos, simplemente contactan conmigo. A veces, incluso tengo que rechazar algunos encargos porque no tengo tiempo para más. De hecho, prácticamente ya tengo todo este año el calendario completo. Trabajo a unos 4-5 encargos cada mes. A veces de forma más puntual si sigo escribiendo a grupos con los que ansío trabajar y pruebo suerte.

También es efecto dominó, si trabajas para un grupo, otros grupos de estilo similar lo verán. Me estoy enfocando más al mundo del atmospheric black metal, y al final te das cuenta de que es una gran familia donde todos nos conocemos entre todos y se crea una comunidad con la que te sientes integrado y apoyado. De ello pueden nacer muchos contactos, algunos sorprendentemente inesperados y que te abrirán muchas puertas.

Recomendaría también estar muy activo en las redes sociales. Lo tenemos que ver como una herramienta de trabajo. Todos los encargos me llegan por Instagram y Facebook y son elementos indispensables. Tenemos la suerte hoy en día de que se hayan transformado en algo positivo para el artista. Funciona como una exposición permanente en una galería. Ya casi nadie acude a exposiciones físicas y parecen casi un mero trámite social, donde después de todo el esfuerzo y tiempo invertido, al final la visibilidad no es tanta como se espera.

Es algo delicado las redes, no debemos dejar que merme nuestra autoestima el tener o no muchos likes o seguidores.

Es injusto que de los mejores ilustradores, con talento increíble no los conozca casi nadie. No debemos compararnos con otros artistas, sino verlos como un estimulo, un referente para seguir escalando.

Es muy importante también no dejarse influir por la presión social de nuestro alrededor. Yo me desvié ligeramente de la ilustración al estudiar un máster de Profesor de Secundaria, también por esta presión. La verdad es que el mundo de la docencia no entra en mis planes y no me gustaría terminar de profesor.

Quiero arriesgar y seguir intentando durante estos años, ir progresando en el mundo de la industria musical, poco a poco trabajar con discográficas más reconocidas y conseguir hacer de la ilustración un trabajo a tiempo completo. Es un camino duro pero quiero perseguir mi sueño.

Lo cierto es que la mayoría de grupos no cuentan con un gran presupuesto y si lo tienen será para grabar profesionalmente en un buen estudio. Muchos son bastante DIY para el artwork y es algo que debemos entender. Teniendo esto en cuenta, la industria musical para un ilustrador siempre va a ser un camino difícil desde el inicio si queremos convertirlo en nuestra forma de vida.

También hay que ser fuerte y lidiar con las presión de las deadline. Trabajar para grupos más importantes a veces me genera mucha ansiedad porque deseo hacerlo perfecto y que queden contentos con mi trabajo. Y cuesta mantenerse en un estado creativo y regular y que no te afecte la presión de las discográficas. También hay que luchar con tus demonios internos, esos que te dicen que no estarás a la altura.

Aunque sinceramente, y entrando en algo muy personal, en mi corto tiempo en la industria musical, me han pasado innumerables malas experiencias con grupos. Proyectos cancelados, pagos que nunca llegan y en general, artworks terminados que nunca verán la luz, además de muchas decepciones trabajando con grupos y músicos que admiraba desde hace años y que luego no son lo que aparentaban. No puedo mencionar nombres pero es algo que me ha herido mucho y he llegado a contemplar abandonar la ilustración.

También tengo una cantidad preocupante de artwork por publicar (más de 30 ilustraciones actualmente). A veces porque el grupo simplemente se retrasa con en el proceso de grabación, intervienen muchos factores y no es su culpa, es algo que entiendo perfectamente. Hay miles razones, la inspiración es enemiga de las prisas y hay que entender que un álbum requiere mucho tiempo para producirse. El proceso es muy largo y una vez grabado hay que esperar también a que lo envíen a mezclar y masterizar. Después esperar al calendario de la discográfica. Son muchos factores y muchas personas que intervienen en el proceso. Muchos artworks los he publicado 2 años después de terminarlos. Pero es algo que, aunque sea frustrante, tenemos que tener paciencia. El grupo tiene las mismas ganas que nosotros por publicar el álbum, simplemente intervienen muchos factores que no podemos controlar.

Pero otras veces en cambio me ha pasado con artworks terminados, con toda la ilusión, y que a la discográfica no le hayan gustado y al final no se publiquen. Muchas ilustraciones se quedaran por ver la luz, es algo que me deprime, porque eran grupos que amaba. Pero he decidido seguir luchando por mucho que duela y seguir adelante. Siempre habrá gente que realmente aprecie lo que hacemos. Al final de todo, el esfuerzo valdrá la pena.

Nombra a unas cuantas bandas que estén habitualmente sonando en tu reproductor.

Alcest, Lustre, Sigur Rós, Slowdive, Mesarthim, Hermóðr, Saor, Sylvaine, Sojourner, Summoning, Midnight Odyssey, Agalloch, Coldworld, Thy Light, Katatonia, Draconian, Sadness, Joy Division, Viva Belgrado, Imbaru, Sangre de Muérdago…etc Mucho Dungeon Synth y también estoy enganchado al Vaporwave y Synthwave. Aunque la verdad es que últimamente solo escucho la música de los grupos con los que trabajo, para implicarme realmente y coger inspiración.

Con respecto a la ilustración que realizaste para el single digital de Lustre, titulado ‘The first snow’: háblanos un poco de esta obra, en que te inspiraste, la técnica empleada, el tiempo invertido, el feedback con la banda, si hay alguna anécdota a su alrededor…

Han pasado ya dos años y la verdad es que todavía me cuesta de creer, sigo flotando dentro de un sueño. Lustre para mí significa gran parte de mi vida, me ha acompañado en muchos momentos y nunca hubiera podido imaginar que algo así pudiera pasar. Su música es más que especial para mí, las atmósferas que crea transmiten mucha magia, es cósmico y trascendental. Melancólico y nostálgico pero a la vez transmite mucha esperanza y luz. Es mucho más que música para mí, me llega al alma. Poder trabajar para él es todo un sueño hecho realidad y un honor. La verdad es que después de este encargo me siento realizado de por vida.

Todo empezó el 15 de Septiembre de 2017. Empecé a seguir a Lustre por Instagram. A las pocas horas él me siguió a mí. Yo ya solo con eso estaba dando saltos de alegría, no me lo podía creer. Y después veo que me envía un mensaje. De verdad, casi me entra algo. Al principio pensaba que se trataría de un error, no era posible que alguien como él contactara conmigo. Estaba casi llorando de la felicidad hasta que al final abrí el mensaje. Me decía que le encantaba mi obra y que notaba una conexión con su música. También me decía que estaba interesado en la portada para su próximo single y preguntaba cual eran mis precios. Yo no me lo podía creer, de verdad, el estado de felicidad de ese momento es inexplicable. Recuerdo que estaba casi en shock, y antes de responder salí a dar un paseo para asimilar lo que me estaba pasando, no podía ser real. Al final le respondí sin contenerme, diciendo todo lo que su música significa para mí y lo importante que es Lustre en mi vida. Él estaba muy agradecido de poder colaborar con alguien que amara tanto el proyecto. Recuerdo también que respecto a los precios, pensé internamente «lo haría gratis e incluso te pagaría yo a ti» jaja pero traté de ser profesional. También me comentó su idea: Un niño en el bosque de noche experimentando la primera nieve del invierno. Aparte de eso me dio completa libertad.

Estaba muy nervioso porque era sin duda el encargo más importante de mi vida, notaba mucha responsabilidad y presión, pero él me tranquilizó diciendo que confiaba plenamente en mí. Tuve que luchar una vez más contra mis demonios internos que me intentaban hacerme sentir que no estaría a la altura. Pero al final lo conseguí y no puedo estar más feliz.

Con el primer boceto él quedó encantado. Incluso contemplamos la opción de quizás añadir animales, quizás un búho. E incluso consideramos añadir la luna llena. Pero al final decidimos que estos elementos distraerían del mensaje principal. El niño en soledad transmitía más introspección, ese momento de tranquilidad y paz con uno mismo. Henrik dijo que en mi obra todo tenía como un toque nostálgico de la infancia, y era eso precisamente lo que deseábamos transmitir. Recuerdos de esos días donde todo es puro e inocente, donde apreciamos las pequeñas cosas y lo más delicado.

La comunicación con Henrik fue estupenda y hicimos mucha amistad. Es una persona a la que admiro muchísimo, su talento es de otro mundo. Tiene más 15 proyectos en solitario aparte de Lustre, eso lo dice todo. Y además como persona es maravilloso, muy humilde y amable.

La portada como tal me llevó unas 3 semanas para terminar. La técnica fue plumilla con tinta china. Todos los elementos los hablé previamente con él, y me dijo que no me contuviera, que añadiera todos los detalles que consideraba oportunos. Hay diferentes plantas como arándanos, helechos, hojas de arce, roble y abedules, intentado captar el espíritu de los bosques suecos.

Ahora él tiene el dibujo original en su casa en Östersund y eso me hace muy feliz. Además planeo en un futuro visitarlo y por fin conocerlo en persona.

La recepción por parte del público ha sido más que estupenda. Y estoy muy agradecido. A los fans parece gustarles. Muchos incluso dicen que les recuerda al Principito o a Snufkin de los Moomins jaja. (Ndr: Los Moomins son una familia de trolles blancos, los cuales son los personajes principales de una colección de libros de la escritora e ilustradora finlandesa Tove Jansson, los cuales además serían convertidos en una serie de dibujos animados que alcanzaría un alto grado de impacto en Finlandia y Japón). Yo me lo tomo como un cumplido.

También dicen que parece que la nieve se mueva. La verdad es un efecto que no fue intencionado pero parece que el dibujo cobró vida propia, es algo mágico añadido.

También hay los típicos comentarios de los más trves y puristas, diciendo que es una portada infantil o «la menos black metal de la historia». La verdad es que no me afectan porque, de eso se trataba precisamente. No todo tiene que ser calaveras y sangre. Creo que el black metal al final cae en muchos estereotipos y clichés. Para mí el black metal es espiritualidad y conexión con la naturaleza. No me interesa tanto la parte del satanismo, aunque por supuesto admiro los grupos clásicos. Para mí el black metal incluye muchos sentimientos crudos, honestos y profundos, y eso por supuesto también incluye la infancia. Además Lustre es mucho más que una etiqueta, está a otro nivel y dimensión, trasciende estilos.

Sigo en contacto con Henrik y para su nuevo álbum él ya tenía otro artwork en mente pero me dijo que quiere seguir colaborando conmigo en un futuro.

El encargo para Lustre me abrió muchísimas puertas y fue el punto de inflexión para decidirme a que quería dedicarme por completo toda mi vida a trabajar para grupos. Gracias a Henrik me encontré a mí mismo y siempre le estaré eternamente agradecido.


ENGLISH VERSION

When we try to reach an artist for our IAP section, the most important thing should be that his/her artwork overwhelm us and move something inside our flesh and bone shell.

But besides, if they are specially proactive with us, and answer our questions in sincerely and significant terms, then the satisfaction is absolute.

All of this happened when we talked to Joan Llopis Domenech. His work could be described with two adjectives that you will find several times in this interview: ethereal and magical. In fact, if you look closely at his illustrations, you can feel transported to a far away dimension inhabited by all the characters that lives in the fantastic imaginary of Northern Europe. Characters that form part of a fantastic folklore fully recognized around all the Earth.

If you get a bit distracted, you may end up dazzled, lost inside the tiny details that inhabit each one of his paints and draws.

We’re deeply grateful to Joan. He has been very kind and thoughtful with us in the making of this interview.

We’ll leave you with our guest. We’re sure that you will be hearing a lot more about him in the coming months.

Enjoy!


When and how was the moment you felt, that your passion for the world of illustration was so great, that you want to make it your job?

When I was a child I was fascinated by drawing. But my story is a bit strange because during many years I didn’t create at all, I didn’t even feel passion about drawing. From 9 to 18 years old I didn’t take a pencil, completely lack of motivation, mental block…and due to personal circumstances, life guided my studies towards the science field. I even started the veterinary degree. I was going far away from myself.

During my first year there I had a revelation, I was missing the joy of creating, and remembered again my dreams in my childhood. Something inside me changed. I felt I needed to discover myself through the world of art. I didn’t know where that path would lead me but my aim was to find that during the process.

Was an emotionally hard year for me, overthinking, breaking my own limits and finally taking the step. I decided to leave veterinary career and start a new path in Fine Arts. However I didn’t consider that year a waste of time although, because both disciplines can be connected. For example, all I learned about animal anatomy, I use it in my drawings now.

In my first years in Fine Art I was still very lost and I didn’t even considered illustration. Was on my Erasmus in Tallin, in my last year of the career, where I found my true vocation. Was something progressive but I saw that illustration was a tool to express my world in a way I felt comfortable.

My first steps were more into editorial illustration, children books, and even scientific illustration. But I felt that it didn’t completely fulfilled me.

It was from my first commission when another side awakened in me. Due to coincidences in life, I worked for Forja, a folk metal band from Catalonia. It was an inflection point, because I discovered it was a perfect way to mix my two passions: music and art = covers for bands.

As a music lover since I have memory, it only was a matter of time to clearly visualize this path.

Are you a self-taugh person or did you take lessons at a art-school or any other kind or formation?

In my degree I learned the basics, drawings from natural environment, human figure, volume, oil painting etc.

The academic drawing helped me in the future. But unfortunately, what prevailed in that university was conceptual and abstract art. Illustration was very underrated. So, what I’ve learned of illustration, has been mostly self-taught. Countless hours of hard work and struggling into the eternal artist fear: finding your own style.

It came more or less in a natural way, after a lot of time of introspection and searching, practicing, studying works from other artists and taking references, and above all, being opened to all the different styles. Even if it’s not your favourite one, they always give you something enriching, helping you grow with wider vision and approaches.

It makes you improve in what you lack. And making effort to go beyond your comfort zone, builds your knowledge into a more complete artist. For example, I’m still struggling to learn perspective and to convey movement and dynamism to the human figures. For now I still think my drawings are too «static».

A very relevant inflection point for me, of which I’ll be eternally grateful, was a watercolor workshop imparted by Fran Parreño, a very recognized illustrator from Valencia, and whom I truly admire. His technique is really magical and delicate, and he opened me a new world of concepts to understand, which I assimilated with more practice. He marked me in my actual watercolor style.

Which are the most important influences to develope your own style, both in and out of illustration itself?

From the classics I’ve always had special admiration for Gustav Doré. Spent many hours analyzing his technique, how he treats shadows, how he recreates dark and mystical atmospheres.

More classical artists like Arthur Rackham, John Bauer, Edmund Dulac, Henry Justice Ford, Walter Crane, Heinrich Lefler, Reginald Knowles, Harry Clarke, Theodor Kittelsen, Errol Le Cian, Ivan Bilibin, Kay Nielsen…

Also the aesthetic of Art Nouveau and the entire Pre-Raphaelite movement, where I feel inspired by both, the technique and the romantic and delicate concept behind it. It’s about a very magical and ethereal atmosphere, full of symbolism and mysticism, which I find very poetic and in parallelism with the universe I would like to picture in my art.

Of current artists are very influencing for me: Fortifem, Sin-eater, Blial Cabal, Adrian Baxter, Rodrigo Almanegra, Chris Riddle, Alan Lee, Eliran Kantor, Heikala, Philip Harris, Joe McEvoy…

I would also like to mention some illustrators, whom are friends of mine, who played a key role, not only inspiring me in terms of technique or concept, but also in terms of motivation and encouraging me to keep going on. I admire how they fight with passion every day to arrive far. The whole community of illustrators for bands has grow into something very beautiful, we help and support each other into many situations, sharing ideas and experiences. Friends I admire and appreciate a lot in the illustration world are: Niall Grant, Kasia Jasmina. Moonroot, Extinct Sacrif, Maéna, Adam Oehlers, Bluttanzt, Krisputter, Dead Flag Studios, Blood Coven, Simon Garðarsson, Hester Aspland, Lilastarith, Manuel Scapinello, Anaïs Mulgrew, Cold Poison, Skogens Rymd, Alva Set, Silvana Massa, Intenebriz, L’encre de Mizu…

From outside of the illustration world, and in terms of universes that has left a mark on me, I need to mention Tolkien and Lovecraft works.

Any technic you love to work with above the others?

I usually use two techniques. One is watercolor, the other is black and white, with nibs and Chinese ink (sometimes with just fineliner pens) trying to emulate old engravings style.

Where I feel more comfortable and confident is with black and white style. This is the reason why I push myself to get out of my ‘comfort zone’, trying to work more with color, to learn and discover watercolor’s secrets.

The hardest thing for me is the atmospheres, being able to capture a feeling with a determined color palette. I still have a lot of difficulty to control certain watery effects, and to create more ethereal textures… so I want to focus on discovering it.

Many artists and teachers say that we should experiment with different techniques. My opinion on that matter is that we could do it for personal satisfaction, but in terms of efficiency it’s worth to focus all your efforts in one of them.

Not even in a lifetime we can know all it secrets. Also, a band will contact you if they see a defined style in which they can trust.

I had a time where I wanted to completely switch to ink dotwork technique. I found that you can make very delicate textures, but I noticed that by the end it was not worth it because it requires more than twice the time to finish, and it didn’t completely adapt to my intuition and natural style.

Describe us the process you follow in the developement of an album artwork. Doy you have a defined method or you follow diferent ways depending on some factors?

The bands usually give me an idea or a general concept of what they visualize for the album cover. If they are still in the writing process, they send me the pre-production demos and the lyrics, so I can capture the feeling and the atmosphere of the album and get inspiration.

Other bands are more specific for all the elements they want to include in the cover. And others give me more freedom.

I like to work both ways. It’s always satisfactory to portray the specific ideas of the band and to see that you can represent what they had in mind is very rewarding.

Also, the band can give you some new original ideas that I wouldn’t have considered, and sometimes, even if it means to get out of my comfort zone, it works as a personal challenge and helps me to grow as an illustrator, forcing myself to explore and discover new aspects in which with my abilities I didn’t have complete confidence. So this makes me learn more during all the process.

In the other case, if the band gives to you too much freedom, it’s hard to guess what they want exactly, and its risky to take the drawing in a more personal interpretation, because curiously, it’ll be more subject to possible last minute changes by the band.

In both cases, my goal is always to capture the essence and the soul of the album, and make the band satisfied with the final result.

Usually I start with a more abstract sketch of the composition without too much details, just placing where each element will go. From this point I talk with the band if they want to add, change or remove something. A good communication is vital, to have feedback and a smooth relation is very important, to avoid misunderstandings and to make faster and more efficient the process.

Some clients ask for changes over and over, but is something you have to be patient to. It’s an aspect that we have to get used to and deal with if you want to work in this field.

Once the band approves the design (made by pencil), I start with the inking or watercolor it, always sending photos of the process.

Once is finished, I try and send different tests and options for the logo. Also I use to choose the font for the title and for the tracklist of the back cover.

In my opinion, nowdays, the artwork is more important than ever in the music world, and have the best level of all time. Do you agree with this appreciation? If you think so, in your experience, why do you think this happened?. Or if you don’t think so, tell us the reason why.

Is true that little by little the illustrator work have more visibility and it’s more appreciated, but in my opinion there are many unfair things that would need to improve.

In general, I think we don’t have the recognition that we deserve and the fans are not aware of all the work that are behind the artwork.

In a lot of iconic covers throughout the history of rock, the illustrator goes completely unnoticed. For some fans it’s like the artwork appears magically. It seems surreal, but some people still think that the art is created by the band itself.

Many covers that are already part of the popular culture, the credit goes to the band but nobody knows the name of the illustrator who made it.

For example (and clarifying that I like these bands and I have nothing against them), I’m sure that 99% of the fans of Iron Maiden do not know the name of the illustrator that made such iconic covers. They wear their t-shirts but don’t know who created them. They buy all the surreal merchandising that exist: mugs, beers with the logo, backpacks, watches and such bizarre and extravagant things. Even people get tattooed the band’s logo or artwork, but don’t think that somebody created that. The same happens for example with the Motörhead emblem. Nobody knows the name of the illustrator who created such famous visual icon. But the worst thing is that, in all these cases, nobody put curiosity to search who is the illustrator.

And not only happens with illustration, for example I’m sure that very few know the name of the photographer who made the legendary cover of Abbey Road. These are just some examples that I think are quite representative, but it happens with all the bands.

Of course, I understand that the music is and always will be the priority. But for me is unfair that the band gets so idealized, treated almost like demigods, but the visual aspect is something that simply “is there”.

And the artwork is a key element. If you’re talking with someone and you name a band, the first thing that comes to mind is the cover or even the logo. Logo designers are even more underrated. They create something unique and iconic that goes down in history, but few people seems to care.

Also I see some attitudes in the bands that make the situation even worse. Like sharing their new album cover in social media but not mentioning the illustrator. That’s so rude and unfair. You have to go to ask them always who is the illustrator. And in places where our name should be in the credits, like in Bandcamp, there are still bands that don’t put it. And unfortunately is something very common, almost 50% of the bands do it, even the most famous ones. It’s such a lack of respect.

It’s not only for the recognition of our work, but legally, it should be there. Also, it’s something that hurt us as illustrators, because we depend of the visibility to get more commissions, it’s a part of our work.

Also, in my opinion is unfair not to put the name of the illustrator in an album that is published in Youtube. It has been that normalized that people don’t question themselves about it. If you have to name the photographers’ name in any video when you use his/her images because of the copyright, I don’t understand why an illustrator who has created something so essential is not mentioned.

I don’t want to be too picky or critical, but these things should be taken into consideration and should be improved.

In this age, of overstimulated people and the continous growing number of bands out there…How much is the value of an good artwork to catch the peoples’ attention on a band?

The cover will always be key. With it you translate visually the feelings that the album will convey. It’s very important that the cover connect with the album’s concept, and expresses the imaginary world and the universe of the band. It’s also essential to catch the attention of the audience.

With so many albums been published daily, an attractive cover will raise the curiosity of the audience to listen to the album. In a record store and digitally as well. I’ve discovered a lot of bands because the cover catch my attention in Youtube.

There are bands that still not take care of this aspect and it’s more relevant than we think, because as you said, the audience is overstimulated. It’s necessary to create something unique that makes the difference, and if the cover doesn’t match with the music, the overall will seem incomplete. Even if the music is brilliant and perfect, something’s lacking if the cover is bad. Always there will be exceptions, and the most minimalist covers can sometimes succeed of course.

In my opinion, so many black metal bands continue to use the same elements over and over again, a kind of aesthetic that has had its moment, but it seems repetitive to me now.

Luckily, there are still so many open-minded bands that want to create something new, original and more personal.

Tell some advise to anyone who is taking its first steps into the illustration world, but thinks that don’t have the enough talent, or don’t feel supported by the people of their daily basis.

Determination and to be constant. To be honest, it’s a hard path to follow and it’ll require all of our effort to overcome all the obstacles and make the dream a reality. It’s a job that will require many sacrifices, a lot of hours, and you have to give up other things just to be able to focus. But you should not give up in any case. Many disappointments and bad experiences could happen, but you must be ready to overcome them.

Talent is an ambiguous concept, and it can affect us negatively, and what define it, is just the practice, there is no other secret. Some of my drawings from five years ago can embarrass me, but to perfect and consolidate a style requires so much time of hard work. I don’t think I have special talent for drawing, simply, I dedicate a lot of time and enthusiasm to improve.

To be completely honest, I’ve never felt supported by the people around me. But I decided that it depends only on me, and I shouldn’t let anyone to take me out from this path and dream. Social pressure against artists will always be there. Clichés and prejudices will exist always, telling us to get ‘a real job’, or not understanding why we should get paid for our art, or the hours of work behind this.

My other advice is that you should draw everyday and, also, don’t be afraid of the outside world. I mean, to not underrate what you do. If you don’t value it, nobody will do. You have to be proud of every little progress you make, and growing up like an artist. Once you have a solid portfolio, don’t wait longer. Start contacting bands and send it everywhere you can. The secret is to not stop moving. It’s sad, but sometimes you have to search your own commissions. Just waiting for it, will never happen.

In my personal experience, about 2 years ago, in one month I sent my portfolio to a hundred bands. (And each message was individual, written in a very personal way, not «copy-paste». I always tell the band my honest feelings of what their music means to me). Most of them ignored me. But 20 answered me. Some of them just told me the classic «we will consider it in the future». But 5 of them were interested in working with me. With perspective, without any doubt, I can say that it worth it. We cannot wait for something to happen, we have to chase it although it takes a lot of energy and we have the feeling that we are dragging ourselves. Unfortunately music industry works this way, we have to insist again and again, of course, without falling into spamming, but we can’t wait for a miracle to happen.

Now I feel lucky, because I don’t have to write to bands anymore, they just contact me. Sometimes even I have to reject some commissions because I have no time for more. In fact, I have this year’s calendar almost full already. And I work in about 4-5 commissions per month.

However sometimes I still write to some specific bands that I wish to work with.

Also is domino effect, if you work with one band, the other bands from similar style will see it and will appear the possibility that they contact you.

At the moment I’m more focused into the Atmospheric Black Metal world. And I realized that is almost like a family, we all know each other there, and it creates a beautiful community where you feel supported and integrated. From this can appear a lot of contacts, some of them surprisingly good, that will open a lot of doors and possibilities.

I also would recommend to be active in social media. We should see it as a tool. All my commissions come from Instagram or Facebook. Nowadays it became something positive for the artist, fortunately. It works like a permanent gallery. Almost no one goes to physical exhibitions anymore, they seem just like a social procedure, and after all the invested time and effort, by the end the visibility is not as we expected.

Social media is something complex, and we shouldn’t let that having more/less likes or followers brings down our self-esteem or confidence.

It seems unfair that almost no one knows some of the best illustrators, with an unbelievable talent. We shouldn’t compare ourselves with other artists, but see them as encouragement, like a reference for us to keep growing.

It’s also very important to not let social pressure from our surroundings influence us. I turned aside slightly from illustration and studied a Masters of art teacher due to this pressure. The truth is that teaching is something out of my plans, and I wouldn’t like to end up in a Highschool. I want to keep progressing in the illustration world no matter what.

I want to take some risks these years, keep growing in the music industry world, step by step, try to work with some more recognized record labels and make of illustration a fulltime job. It’s a hard path but I want to follow my dream.

The truth is that most of the bands doesn’t have a big budget, and if they have it, it would be to record professionally in a good studio. Many are quite DIY for artwork, and that’s something that we should understand. Having this in mind, music industry, for an illustrator, and if you want to make it your way of life, you must know is going to be a hard way from the beginning.

Also you have to be strong and deal with deadline’s pressure too. Sometimes makes me anxious to work with more important bands, because I want to make it perfect, and want the band to be satisfied with my work. And it’s hard to stay creative and don’t be affected by the record label’s pressure. You must fight with your inner demons, those who tell you that you will fail.

To be completely honest, and going into something more personal, in my short time in music industry, I had countless bad experiences with bands. Canceled projects, payments that never arrived, finished artworks that never will see the light, and many disappointments working with bands and musicians that I had admired for years, and at the end they are not like they seemed. I can’t say names, but is something that hurts me, and even made me consider to leave illustration.

Also, I have a surreal amount of work unreleased (more than 30 illustrations currently). Sometimes because the bands gets delayed with the recording process, many factors get involved, and it’s not the bands’ fault, it’s something I perfectly understand. There are thousands of reasons, inspiration is enemy of hurries and it must be understood that an album needs a lot of time to get recorded. It’s a long process and once the music is recorded, it has to be sent to be mixed and mastered, and you have to wait. Then wait again for the record company’s schedule. So many factors and people are involved, we need to be patient.

Many artworks have been published two years after I have finished them. It’s frustrating but we should understand it. The band ,as the illustrator, have the same desire to release the album, simply, there are many factors that we can’t control.

But other times instead, with finished artworks, had happened to me, that the label or band doesn’t like it, and in the end, they are not published.

Many illustrations will never see the light, and it’s something so painful that depresses me, because it was for bands I loved.

But, even if it hurts so much, I’ve decided to keep fighting and keep going on. There will always be people that really appreciate what we do. In the end, all the efforts will be worth it.

Tell us some bands that usually sounds on your stereo.

Alcest, Lustre, Sigur Rós, Slowdive, Mesarthim, Hermóðr, Saor, Sylvaine, Sojourner, Summoning, Midnight Odyssey, Agalloch, Coldworld, Thy Light, Katatonia, Draconian, Sadness, Joy Division, Viva Belgrado, Imbaru, Sangre de Muérdago… etc.

A lot of Dungeon Synth and I’m addictied too to Vaporwave and Synthwave. Even though, lately, I only listen to the music of the bands I work with, to really get involved, focused and inspired.

Tell us something about Lustre’s First snow single. Which was your inspiration, technic used, how much time it takes, the feedback with the band, any funny thing that happened in the making…

Two years have passed and it’s still hard to believe I’ve worked for Lustre. I’m still floating in a dream. Lustre means the world to me. Is a part of my life and it accompanied me in many moments, and helped me in difficult times. I could never have imagined something like this could happen to me. Lustre music is more than special to me, the atmosphere it creates conveys a lot of magic, it’s cosmic and transcendental. So ethereal and otherworldly. Sometimes melancholic and nostalgic but at the end, full of hope and light at the same time. It’s much more than music to me, it touches my soul. To work for him was a dream come true and a huge honor. After this commission I feel fulfilled in my life.

All started on 15th September 2017. I started following Lustre on Instagram, and hours later, he started following me. I was full of joy, couldn’t believe it. Then I saw he sent me a message. Almost I got a heart attack! I thought it was just a mistake, it was impossible that someone like him contacted me. I was almost in tears of pure happiness when I opened the message. He told me that he loved my illustrations, and that he felt some connection in them with his music. He told me too that he was interested in the cover for his next single, and asked which were my rates. Seriously, I couldn’t believe it. My happiness was unexplainable. I remember I was almost in shock, and I went for a walk, trying to assimilate what was happening, before giving him an answer.

Finally I answered openly, telling him what his music means to me, and how important is Lustre in my life. He felt grateful to collaborate with someone who loved Lustre that much. Regarding prices I also remember that I thought for myself «I would make it for free, even I would pay you» haha But I tried to be professional.

He told me about what was his idea: a young boy in the forest at night, experiencing the first snow of winter. For the rest, he gave me complete freedom.

I was very nervous because, it was without any doubt, the most important commission of my life. I felt the responsibility and pressure. But he always calmed me down telling me that he completely trusted in me, and there wasn’t any pressure. I had to fight again with my inner demons, whom tried to make me feel like I couldn’t do it. But at the end, I did, and I couldn’t be happier.

Since the beginning, he was already delighted with the first sketch. Even we considered the option of adding animals, maybe an owl. We considered adding a full moon too. But at the end we decided that those elements would distract the viewer from the main message and atmosphere. The kid in solitude conveyed more introspection, that quiet moment in inner peace with oneself. Henrik told me that all of my works had a nostalgic touch, from childhood, and that was exactly what we wanted to transmit in this case. Memories of those days where all is pure and innocent, where we appreciate the little and delicate things.

Communication with Henrik was perfect and we became friends. I admire him a lot, his talent is from another world. He has more than 15 solo projects apart from Lustre, and that tells a lot. And as a person, he is wonderful, humble and very kind.

The cover took me around three weeks. The technique was dip pen and ink. Previously, I talked with him about all elements, and he told me to not hold back, that I could add all the details that I considered appropriate. There are different kind of plants, like blueberries, ferns, maple, oak and birch leaves, all trying to capture the spirit of the Swedish forests.

Now he has the original illustration in his home in Östersund, and that makes me very happy. Also I plan to visit him in the near future.

The reception from the public regarding the cover was really amazing too. I’m very grateful. Fans seems to like it. Even some say that it reminds them to The Little Prince or to Snufkin from Moomins haha. I take it like a compliment! (Ndr: Moomins are a white troll family, created by the Finnish writer and illustrator Tove Jansson, which are main characters of a collection of her story books, lately recreated in a successful cartoon series, especially in Finland and Japan).

Also, people say that the snow seems like if it moves. It wasn’t an intentional effect, but it seems that the drawing took life on its own. It’s something magical added.

Also, there are the typical comments of the purists and trves, saying that it’s a childish cover or «the least black metal cover in history». Honestly I don’t care about it, because, in fact, that was the point. Not everything has to be skulls, demons and blood. I think that black metal falls into a lot of clichés and stereotypes. For me black metal is spirituality and a connection with nature. I’m not interested in the Satanism part of it at all (although of course I admire the classic bands.)

For me black metal gathers a lot of raw, honest and deep feelings. Also shows the hidden beauty. For me is more about the atmosphere and the deep emotions on it, can be very intense and healing.

But Lustre is much more than a tag, is on another dimension and transcends styles. Lustre is something very unique.

I still keep in touch with Henrik, for his new album he had already another artwork in mind, but he told me that he wants to keep collaborating with me in the future.

Lustre artwork opened me a lot of doors and was the inflection point to decide that I wanted to focus my whole life into working for bands.

Thanks to Henrik I found myself again and I will always be eternally grateful to him.

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